El arte de la vida y  la vida del arte a través de un pintor que nos deja como legado su obra, sus palabras, su recuerdo eterno: Ántoni Tapies

Un recuerdo al hombre, al artista y al genio que nos dejó sus palabras y que ahora traigo al presente mediante una selección de frases sacadas de diferentes entrevistas que le hicieron. Sirvan de reconocimiento y agradecimiento a uno de los grandes artistas mundiales del S. XX, a la vez que para procurar entender un poco más el significado que él creó y quiso dar a su vida. Aprovecho esta  forma online de reconocimiento y agradecimiento al trabajo realizado y su aportación a la historia del arte.

.../No quiero ser como los pintores que me han precedido, porque  están muy vistos, y a la sociedad ya no le sorprende. Por ejemplo, el colorido. Hay muchos grandes artistas que han usado mucho los colores primitivos. En el siglo XX, las vanguardias lo hicieron mucho. Colores simples. Rojo, amarillo, azul. De esto han abusado los pintores y la publicidad. Y ahora, la tele en color. Por eso yo decidí pintar con otros colores. Y tal vez también por la necesidad de buscar colores más profundos, más serios. En estas cosas hay una mezcla de todo. Como el sentirme cerca de la tierra. Y de esta manera, la tierra se hizo presente en su obra, literalmente, incluyéndola como elemento, emulando el relieve o la textura de un terreno. Es ridículo que vuelvan a repetirse los nombres que yo oía de pequeño, en lugar de oír cosas nuevas. Eso es preocupante.

.../Dicen que los viejos nos volvemos más sabios, y lo hacemos en el sentido literal de la palabra, aprendemos a vivir. López Cobos, el director de orquesta,  decía que ahora que tenía más años era mucho más feliz cuando tocaba; disfrutaba porque ya no le importaba lo que decían los demás. y Tapies decía “le entiendo”. Si se ha hecho ese recorrido, se entiende que  Tapies, en los últimos años de su vida, se atreviera a pintar casi a ciegas teniendo en cuenta sus problemas de visión.

.../Se movió e innovó dentro de un mundo abstracto pero lleno se signos figurativos y en los que tuvo un enorme peso la materia. Todo ello dentro de un marcado sentido espiritual. La iconografía judeocristiana que utiliza Tàpies en sus obras,  algunos símbolos o la aparición de las letras A y T en varias obras, que simbolizan sus iníciales, pero también Antoni y Teresa, que es su mujer, se repite hasta la saciedad  a lo largo de su vida. Él lo explicó abiertamente: las cruces o las materias que pinto se repiten porque en el fondo  ése es mi lenguaje, el que me he construido. Y pienso que una cruz se puede hacer de infinitas formas, no se acaba nunca. En este sentido, envejecer da una cierta tranquilidad.  Entre los símbolos aparece también el 4, refiriéndose a  los cuatro elementos y puntos cardinales. El cuerpo humano y los objetos cotidianos son otros protagonistas de sus obras. Aparecen también los símbolos mágicos y enigmáticos sólo conocidos por el autor y su esposa, insertos en un medio de una  comunicación personal, amorosa en donde nosotros contemplamos la particular caligrafía de Tápies. Trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra, influenciado por una filosofía Zen, dando un nuevo significado a materiales insignificantes hasta llegar a hacerlos trascendentales.

.../ Escribí para no callarme aunque  previamente  hubiera sido domesticado para pintar y callar: "Jo pinto i prou!". Quedémonos con uno de los muchos mensajes positivos que nos dejó, una clave para ver siempre algo positivo en la vida: es muy importante compensar el dolor con el amor. Y ese equilibrio te hace ver la vida con optimismo.


 The art of life and the life of art by a painter who leaves a legacy of his work, his words, his eternal memory: Antoni Tapies

A memory of man, the artist and the genius who left us his words and now I bring to the present through a selection of phrases from various interviews with her. Serve as recognition and appreciation to one of the great global artists S. XX, as well as to seek to understand a little more meaning he created and wanted to give his life.

... / I don´t want to be like the painters who preceded me, because they are very visible, and society no longer surprised. For example, the color. There are many great artists have long used the primary colors. In the twentieth century, the avant-garde did a lot. Simple colors. Red, yellow, blue. In this they have abused the painters and advertising. And now, the color television. So I decided to paint with other colors. And perhaps also by the need to look deeper colors, more serious. In these things there is a mix of everything. As close to the ground feel. And so, the land was present in his work, literally, by including it as an element, emulating the terrain or ground texture. It's ridiculous to be repeated the names I heard as a child, instead of hearing new things. That is worrying.

../ He moved and innoveted  in a abstract world  but  whith figurative simbols. All within a strong spiritual sense. The Judeo-Christian iconography used by Tapies in his work, some symbols or the appearance of the letters A and T in several paintings, symbolizing his initials, but Antoni and Teresa, who is his wife, is repeated throughout her life. He said openly, crosses, and paint materials that are repeated because basically that's my language, I've built. And I think that a cross can be done in countless ways, never ends. Among the symbols appears also on 4, referring to the four elements and cardinal points. The human body and everyday objects are other players in their works. They also appear magical and enigmatic symbols known only to the author and his wife, half embedded in a personal communication, loving where we contemplate the particular Tápies calligraphy. He works as an alchemist who can transform perishable materials and ignoble nobles permanent and through his new life in the work, influenced by Zen philosophy, giving new meaning to insignificant materials to reach them transcendental.

I Wrote not to silent but previously had  been domesticated for painting and silence: "Jo pinto i prou". Let's stay with one of the many positive messages that left us a key to always see something positive in life is very important to compensate for the pain with love. And that balance makes you see life optimistically.

La Mona Lisa, la Gioconda, el Prado y el Louvre.

"El Prado alberga una réplica de 'La Gioconda' de Da Vinci.” El estado de conservación de la pintura  es mejor que el de la 'Mona Lisa' y ha sido restaurada para una exposición en el Louvre de París. De momento se expondrá en el museo de El Prado de Madrid hasta el próximo 13 de marzo en la sala 49 ante la mirada atenta de cientos de visitantes que contemplan la obra.

... Y me viene  a la mente la historia aquella de  Eduardo Valfiemo, un comerciante argentino, que llegó a realizar un  trato con el italiano Vincenzo Perugia (ex-empleado del museo Louvre) para así ponerse de acuerdo y robar el retrato de la Mona Lisa  para luego venderla por una cifra millonaria. Y mientras tanto, se hizo alguna otra copia.

Un siglo después, desempolva el Prado una obra que dice ha estado ahí siglo tras siglo. Colgada en la pared sin que  muchos prestaran atención, expuesta, no en la recámara almacenada. La joven  representada se llamaba Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo. Una “joven” no tan joven en el Louvre, de unos 30 o 35 años, pero que vuelve a serlo en El Prado. La labor de restauración ha eliminado los barnices oxidados y el  repinte negro que tapaba el paisaje de fondo, puesto ahí en el siglo XVIII, según el estudio, para seguir la moda del momento y con el que cubría el velo y el cabello de Lisa Gherardini en la parte izquierda del retrato. Se ha recuperado con ello el cromatismo y aproxima la obra a su estado original.

Fue pintada, según las investigaciones realizadas, en el mismo taller pero por un discípulo de Da Vinci, aseguran ahora. Melzi según unos. Imposible para otros. Dolores García lo niega porque, de ser así, la obra la realizó entre los 10 y los 13 años y técnicamente dista mucho de las primeras obras conocidas del pintor. Caterina Bon Valsassina, aprecia la obra: «Es una bella pintura, con sabores rafaelescos». Es decir, nadie niega la calidad y factura de la misma y el buen trabajo realizado por el alumno. Son evidentes los arrepentimientos, rectificaciones y cambios que sufren las dos obras simultáneamente no apreciables con la vista pero existentes en las capas subyacentes. Estas rectificaciones se aprecian en la alteración del contorno de la cintura, la posición de los dedos, el perfil del velo y el de la cabeza e incluso ajustes de los perfiles de las mejillas y el cuello. Aparecen dibujos hechos a mano alzada en parte correspondientes con el dibujo visible en superficie y otras no, como podemos ver en las fotos adjuntas. Leonardo estuvo muy atento a esta Gioconda, pintada sobre nogal y no sobre roble o chopo como se suponía, y sobre la misma preparación sin yeso y con blanco de plomo que 'La dama del Armiño' o el 'San Juan Bautista' de Da Vinci.

Entre los bienes inventariados de Salai, otro de sus discípulos, figuraba un cuadro señalado como “la hondaC”, corregido luego como “la Joconda”. Y por si tuviera poco condimento  esta historia podemos añadir que este alumno entró en el  taller del maestro con 10 años y pronto anotó de él Leonardo en su cuaderno que era un "ladrón, embustero, obstinado, glotón”... pero ninguno de estos calificativos parece que fueran impedimentos suficientes para que mantuviera con él una relación amorosa.

De cualquier manera, y basándonos en los datos que tenemos, se desmonta aquí una de las diferencias entre las dos almas gemelas existentes, la española parecía no tener paisaje, pero apareció tras la restauración y desveló un riguroso parecido con la francesa. Vasari comenta detalles del retrato de Leonardo: tenía cejas que salían de cada poro de su piel. La del Prado tiene cejas, la del Louvre no. Rafael Sanzio, tras visitar el estudio de Leonardo realiza un boceto del retrato femenino que allí vio en el que aparecen dos columnas enmarcando la escena.  

Sabemos también de la existencia de una huella digital que aparece en el vértice superior, haciéndola si cabe un poco mas interesante, pues de todos es conocido la afición que tenía Leonardo a pintar o difuminar con los dedos, creando unas películas de pintura finísimas tal vez imposibles de conseguir de otro modo: sfumato ¿Pudo haber varias copias?

Un discípulo suyo estaría  pintando esta obra a la vez que la del maestro en el mismo taller. Pudo haber sido un discípulo español. Leonardo tenía discípulos españoles que hacia 1500 estaban en Florencia. Así lo afirma un  documento en el que queda patente que entre el grupo de los artistas que ayudaron a Leonardo en la realización del espectacular mural «La Batalla de Anghiari» en el Palazzo Vecchio había un «Ferrando Spagnolo, pittore», identificado a veces como Fernando Yáñez de la Almedina, otras, como Fernando Llanos.

En conclusión. Es una obra que se pinta en el taller de Leonardo y a la vez que el maestro realiza el retrato un aprendiz trabaja con esta segunda tabla. Pero a ver, ¿qué maestro no retoca, no aporta su sello con sus pinceladas a la obra del alumno?. El maestro es quien dirige ¿no?, lo contrario equivaldría a admitir que el alumno supera al maestro. En consecuencia, ¿quien es capaz de afirmar que aquí no hay una parte del  maestro llegados al punto de afirmar que se hicieron a la vez y en el mismo taller. De cualquier manera, ¿por qué es una copia si las dos se pintaron a la vez? será otro original, o en cualquier caso, los dos  copian el mismo modelo que es la persona que posa para ser retratada. Juzguen ustedes mismos que los historiadores del arte, restauradores y especialistas no se ponen de acuerdo.

Mona Lisa, Gioconda, Prado and  Louvre museum.

And meanwhile it appears in the press news like this: "The Prado houses a replica of 'La Gioconda' by Da Vinci" The condition of the paint (say) is better than the 'Mona Lisa' and is being restored for an exhibition at the Louvre in Paris.

... And comes to my mind the story that Edward Valfiemo, an Argentine businessman, who came to make a deal with Italian Vincenzo Perugia (ex-expleado Louvre Museum) in order to agree and draw the portrait of the Mona Lisa to then sell it for a millionaire. Meanwhile, another copy was made. A century later, the Prado desemplova a work said to have been there century after century. She represented named Lisa Gherardini, wife of a wealthy Florentine merchant named Francesco del Giocondo. A "young" not so young at the Louvre, about 30 or 35 years but becomes so in the Prado. Painted in the same workshop but by a disciple of Da Vinci say now.
Melzi according to some. Impossible for others. Dolores Garcia denies it, and want the work I perform between 10 and 13 years and technically far from the first known works of the painter. Caterina Bon Valsassina, appreciates the work: "It is a beautiful painting, with flavors Raphaelesque." Anyway, here is dismantled one of the differences between the two soul mates exist, the landscape seemed to have Spanish, but appeared after the restoration and revealed a strict resemblance to the French. Vasari says Leonardo challenged details. His eyebrows coming out of every pore of your skin. The Prado has eyebrows, not the Louvre. Raphael Sanzio, after visiting the studio of Leonardo made a sketch of the female portrait in which he saw there are two columns framing the scene. Could it have multiple copies?
One of his disciples would be painting this work while the teacher. It could have been a disciple Spanish. Spanish disciples Leonardo was around 1500 that were in Florence. So says a document that shows that among the group of artists who helped in the realization of Leonardo spectacular mural "The Battle of Anghiari" in the Palazzo Vecchio was a "Ferrando Spagnolo, pittore ', sometimes identified as Fernando Yáñez de la Almedina, others, like Fernando Llanos. But see, what teacher does not retouched, does not provide a seal with his brushstrokes to the work of the student?. The teacher who directs is not it, what otherwise would be to admit the student surpasses the teacher. Consequently, who is able to say that here there is a part of the teacher arrived at the point of stating that were made at the time and in the same workshop. Anyway, why is a copy if the two were painted at a time? is another original, or in any case, both copy the same model as the person posing to be photographed. Judge for yourself that art historians, restorers and experts do not agree.