El arte de la vida y  la vida del arte a través de un pintor que nos deja como legado su obra, sus palabras, su recuerdo eterno: Ántoni Tapies

Un recuerdo al hombre, al artista y al genio que nos dejó sus palabras y que ahora traigo al presente mediante una selección de frases sacadas de diferentes entrevistas que le hicieron. Sirvan de reconocimiento y agradecimiento a uno de los grandes artistas mundiales del S. XX, a la vez que para procurar entender un poco más el significado que él creó y quiso dar a su vida. Aprovecho esta  forma online de reconocimiento y agradecimiento al trabajo realizado y su aportación a la historia del arte.

.../No quiero ser como los pintores que me han precedido, porque  están muy vistos, y a la sociedad ya no le sorprende. Por ejemplo, el colorido. Hay muchos grandes artistas que han usado mucho los colores primitivos. En el siglo XX, las vanguardias lo hicieron mucho. Colores simples. Rojo, amarillo, azul. De esto han abusado los pintores y la publicidad. Y ahora, la tele en color. Por eso yo decidí pintar con otros colores. Y tal vez también por la necesidad de buscar colores más profundos, más serios. En estas cosas hay una mezcla de todo. Como el sentirme cerca de la tierra. Y de esta manera, la tierra se hizo presente en su obra, literalmente, incluyéndola como elemento, emulando el relieve o la textura de un terreno. Es ridículo que vuelvan a repetirse los nombres que yo oía de pequeño, en lugar de oír cosas nuevas. Eso es preocupante.

.../Dicen que los viejos nos volvemos más sabios, y lo hacemos en el sentido literal de la palabra, aprendemos a vivir. López Cobos, el director de orquesta,  decía que ahora que tenía más años era mucho más feliz cuando tocaba; disfrutaba porque ya no le importaba lo que decían los demás. y Tapies decía “le entiendo”. Si se ha hecho ese recorrido, se entiende que  Tapies, en los últimos años de su vida, se atreviera a pintar casi a ciegas teniendo en cuenta sus problemas de visión.

.../Se movió e innovó dentro de un mundo abstracto pero lleno se signos figurativos y en los que tuvo un enorme peso la materia. Todo ello dentro de un marcado sentido espiritual. La iconografía judeocristiana que utiliza Tàpies en sus obras,  algunos símbolos o la aparición de las letras A y T en varias obras, que simbolizan sus iníciales, pero también Antoni y Teresa, que es su mujer, se repite hasta la saciedad  a lo largo de su vida. Él lo explicó abiertamente: las cruces o las materias que pinto se repiten porque en el fondo  ése es mi lenguaje, el que me he construido. Y pienso que una cruz se puede hacer de infinitas formas, no se acaba nunca. En este sentido, envejecer da una cierta tranquilidad.  Entre los símbolos aparece también el 4, refiriéndose a  los cuatro elementos y puntos cardinales. El cuerpo humano y los objetos cotidianos son otros protagonistas de sus obras. Aparecen también los símbolos mágicos y enigmáticos sólo conocidos por el autor y su esposa, insertos en un medio de una  comunicación personal, amorosa en donde nosotros contemplamos la particular caligrafía de Tápies. Trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra, influenciado por una filosofía Zen, dando un nuevo significado a materiales insignificantes hasta llegar a hacerlos trascendentales.

.../ Escribí para no callarme aunque  previamente  hubiera sido domesticado para pintar y callar: "Jo pinto i prou!". Quedémonos con uno de los muchos mensajes positivos que nos dejó, una clave para ver siempre algo positivo en la vida: es muy importante compensar el dolor con el amor. Y ese equilibrio te hace ver la vida con optimismo.


 The art of life and the life of art by a painter who leaves a legacy of his work, his words, his eternal memory: Antoni Tapies

A memory of man, the artist and the genius who left us his words and now I bring to the present through a selection of phrases from various interviews with her. Serve as recognition and appreciation to one of the great global artists S. XX, as well as to seek to understand a little more meaning he created and wanted to give his life.

... / I don´t want to be like the painters who preceded me, because they are very visible, and society no longer surprised. For example, the color. There are many great artists have long used the primary colors. In the twentieth century, the avant-garde did a lot. Simple colors. Red, yellow, blue. In this they have abused the painters and advertising. And now, the color television. So I decided to paint with other colors. And perhaps also by the need to look deeper colors, more serious. In these things there is a mix of everything. As close to the ground feel. And so, the land was present in his work, literally, by including it as an element, emulating the terrain or ground texture. It's ridiculous to be repeated the names I heard as a child, instead of hearing new things. That is worrying.

../ He moved and innoveted  in a abstract world  but  whith figurative simbols. All within a strong spiritual sense. The Judeo-Christian iconography used by Tapies in his work, some symbols or the appearance of the letters A and T in several paintings, symbolizing his initials, but Antoni and Teresa, who is his wife, is repeated throughout her life. He said openly, crosses, and paint materials that are repeated because basically that's my language, I've built. And I think that a cross can be done in countless ways, never ends. Among the symbols appears also on 4, referring to the four elements and cardinal points. The human body and everyday objects are other players in their works. They also appear magical and enigmatic symbols known only to the author and his wife, half embedded in a personal communication, loving where we contemplate the particular Tápies calligraphy. He works as an alchemist who can transform perishable materials and ignoble nobles permanent and through his new life in the work, influenced by Zen philosophy, giving new meaning to insignificant materials to reach them transcendental.

I Wrote not to silent but previously had  been domesticated for painting and silence: "Jo pinto i prou". Let's stay with one of the many positive messages that left us a key to always see something positive in life is very important to compensate for the pain with love. And that balance makes you see life optimistically.

La Mona Lisa, la Gioconda, el Prado y el Louvre.

"El Prado alberga una réplica de 'La Gioconda' de Da Vinci.” El estado de conservación de la pintura  es mejor que el de la 'Mona Lisa' y ha sido restaurada para una exposición en el Louvre de París. De momento se expondrá en el museo de El Prado de Madrid hasta el próximo 13 de marzo en la sala 49 ante la mirada atenta de cientos de visitantes que contemplan la obra.

... Y me viene  a la mente la historia aquella de  Eduardo Valfiemo, un comerciante argentino, que llegó a realizar un  trato con el italiano Vincenzo Perugia (ex-empleado del museo Louvre) para así ponerse de acuerdo y robar el retrato de la Mona Lisa  para luego venderla por una cifra millonaria. Y mientras tanto, se hizo alguna otra copia.

Un siglo después, desempolva el Prado una obra que dice ha estado ahí siglo tras siglo. Colgada en la pared sin que  muchos prestaran atención, expuesta, no en la recámara almacenada. La joven  representada se llamaba Lisa Gherardini, esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo. Una “joven” no tan joven en el Louvre, de unos 30 o 35 años, pero que vuelve a serlo en El Prado. La labor de restauración ha eliminado los barnices oxidados y el  repinte negro que tapaba el paisaje de fondo, puesto ahí en el siglo XVIII, según el estudio, para seguir la moda del momento y con el que cubría el velo y el cabello de Lisa Gherardini en la parte izquierda del retrato. Se ha recuperado con ello el cromatismo y aproxima la obra a su estado original.

Fue pintada, según las investigaciones realizadas, en el mismo taller pero por un discípulo de Da Vinci, aseguran ahora. Melzi según unos. Imposible para otros. Dolores García lo niega porque, de ser así, la obra la realizó entre los 10 y los 13 años y técnicamente dista mucho de las primeras obras conocidas del pintor. Caterina Bon Valsassina, aprecia la obra: «Es una bella pintura, con sabores rafaelescos». Es decir, nadie niega la calidad y factura de la misma y el buen trabajo realizado por el alumno. Son evidentes los arrepentimientos, rectificaciones y cambios que sufren las dos obras simultáneamente no apreciables con la vista pero existentes en las capas subyacentes. Estas rectificaciones se aprecian en la alteración del contorno de la cintura, la posición de los dedos, el perfil del velo y el de la cabeza e incluso ajustes de los perfiles de las mejillas y el cuello. Aparecen dibujos hechos a mano alzada en parte correspondientes con el dibujo visible en superficie y otras no, como podemos ver en las fotos adjuntas. Leonardo estuvo muy atento a esta Gioconda, pintada sobre nogal y no sobre roble o chopo como se suponía, y sobre la misma preparación sin yeso y con blanco de plomo que 'La dama del Armiño' o el 'San Juan Bautista' de Da Vinci.

Entre los bienes inventariados de Salai, otro de sus discípulos, figuraba un cuadro señalado como “la hondaC”, corregido luego como “la Joconda”. Y por si tuviera poco condimento  esta historia podemos añadir que este alumno entró en el  taller del maestro con 10 años y pronto anotó de él Leonardo en su cuaderno que era un "ladrón, embustero, obstinado, glotón”... pero ninguno de estos calificativos parece que fueran impedimentos suficientes para que mantuviera con él una relación amorosa.

De cualquier manera, y basándonos en los datos que tenemos, se desmonta aquí una de las diferencias entre las dos almas gemelas existentes, la española parecía no tener paisaje, pero apareció tras la restauración y desveló un riguroso parecido con la francesa. Vasari comenta detalles del retrato de Leonardo: tenía cejas que salían de cada poro de su piel. La del Prado tiene cejas, la del Louvre no. Rafael Sanzio, tras visitar el estudio de Leonardo realiza un boceto del retrato femenino que allí vio en el que aparecen dos columnas enmarcando la escena.  

Sabemos también de la existencia de una huella digital que aparece en el vértice superior, haciéndola si cabe un poco mas interesante, pues de todos es conocido la afición que tenía Leonardo a pintar o difuminar con los dedos, creando unas películas de pintura finísimas tal vez imposibles de conseguir de otro modo: sfumato ¿Pudo haber varias copias?

Un discípulo suyo estaría  pintando esta obra a la vez que la del maestro en el mismo taller. Pudo haber sido un discípulo español. Leonardo tenía discípulos españoles que hacia 1500 estaban en Florencia. Así lo afirma un  documento en el que queda patente que entre el grupo de los artistas que ayudaron a Leonardo en la realización del espectacular mural «La Batalla de Anghiari» en el Palazzo Vecchio había un «Ferrando Spagnolo, pittore», identificado a veces como Fernando Yáñez de la Almedina, otras, como Fernando Llanos.

En conclusión. Es una obra que se pinta en el taller de Leonardo y a la vez que el maestro realiza el retrato un aprendiz trabaja con esta segunda tabla. Pero a ver, ¿qué maestro no retoca, no aporta su sello con sus pinceladas a la obra del alumno?. El maestro es quien dirige ¿no?, lo contrario equivaldría a admitir que el alumno supera al maestro. En consecuencia, ¿quien es capaz de afirmar que aquí no hay una parte del  maestro llegados al punto de afirmar que se hicieron a la vez y en el mismo taller. De cualquier manera, ¿por qué es una copia si las dos se pintaron a la vez? será otro original, o en cualquier caso, los dos  copian el mismo modelo que es la persona que posa para ser retratada. Juzguen ustedes mismos que los historiadores del arte, restauradores y especialistas no se ponen de acuerdo.

Mona Lisa, Gioconda, Prado and  Louvre museum.

And meanwhile it appears in the press news like this: "The Prado houses a replica of 'La Gioconda' by Da Vinci" The condition of the paint (say) is better than the 'Mona Lisa' and is being restored for an exhibition at the Louvre in Paris.

... And comes to my mind the story that Edward Valfiemo, an Argentine businessman, who came to make a deal with Italian Vincenzo Perugia (ex-expleado Louvre Museum) in order to agree and draw the portrait of the Mona Lisa to then sell it for a millionaire. Meanwhile, another copy was made. A century later, the Prado desemplova a work said to have been there century after century. She represented named Lisa Gherardini, wife of a wealthy Florentine merchant named Francesco del Giocondo. A "young" not so young at the Louvre, about 30 or 35 years but becomes so in the Prado. Painted in the same workshop but by a disciple of Da Vinci say now.
Melzi according to some. Impossible for others. Dolores Garcia denies it, and want the work I perform between 10 and 13 years and technically far from the first known works of the painter. Caterina Bon Valsassina, appreciates the work: "It is a beautiful painting, with flavors Raphaelesque." Anyway, here is dismantled one of the differences between the two soul mates exist, the landscape seemed to have Spanish, but appeared after the restoration and revealed a strict resemblance to the French. Vasari says Leonardo challenged details. His eyebrows coming out of every pore of your skin. The Prado has eyebrows, not the Louvre. Raphael Sanzio, after visiting the studio of Leonardo made a sketch of the female portrait in which he saw there are two columns framing the scene. Could it have multiple copies?
One of his disciples would be painting this work while the teacher. It could have been a disciple Spanish. Spanish disciples Leonardo was around 1500 that were in Florence. So says a document that shows that among the group of artists who helped in the realization of Leonardo spectacular mural "The Battle of Anghiari" in the Palazzo Vecchio was a "Ferrando Spagnolo, pittore ', sometimes identified as Fernando Yáñez de la Almedina, others, like Fernando Llanos. But see, what teacher does not retouched, does not provide a seal with his brushstrokes to the work of the student?. The teacher who directs is not it, what otherwise would be to admit the student surpasses the teacher. Consequently, who is able to say that here there is a part of the teacher arrived at the point of stating that were made at the time and in the same workshop. Anyway, why is a copy if the two were painted at a time? is another original, or in any case, both copy the same model as the person posing to be photographed. Judge for yourself that art historians, restorers and experts do not agree.

 

8.-    Escuchar.
Hacer una pericia de una obra de arte lleva su estudio tanto de la obra como de las personas.
Un perito en muchas ocasiones debe tener también el don de saber esperar. Escuchaba impasible, sin reconocer, sin juzgar, sin devolver una imagen sentimental, abrumadora o contradictoria. Simplemente escuchaba. Saber escuchar con tranquilidad y cierta comprensión es algo básico que genera confianza en las personas, lejos de los sermones y los consejos. Expresar lo que uno siente sin miedo al reproche, a los consejos moralizantes, pero con unos ojos que  miran al otro lado y hasta cierto punto comprenden sin juzgar hace que eleves a la categoría de persona al contertulio, que se sienta visible. Limitarme a considerar a una persona "corrupta", "irreflexiva" o "inmoral" era demasiado simple y pobre, había que intentar comprender qué había detrás, que motor ponía en marcha aquel mecanismo. La mayoría de las personas tendemos a subestimar los propios "recursos naturales" que tenemos, el potencial interior oculto. Aprender a escuchar abre las puertas de  los sentimientos de las personas, revela lo que hay detrás de las apariencias.

Escuchar a veces revela que  puede ser más duro el juicio propio que el que venga del otro. 

Escuchar descubre el grado de convencimiento que uno mismo tiene sobre la "capacidad" de hacer algo y también puede descubrir  la "valía personal"  o respeto a uno mismo.

Tenía delante a una persona que estaba ansiosa de hablar de sí misma, cosa por otro lado  muy habitual y poco extraño. Le miraba a la cara, a los ojos mientras me hablaba de tiempos pasados, trabajos, familia y de tiempos futuros, dinero, negocios. Buscaba el entendimiento del relato y por ello preguntaba  sin rozar el límite de la incomodidad, quedándome en el de la comprensión, miraba como sus manos jugaban con el teléfono movil mientras miraban el mar y pensaba en el océano de comunicaciones en el que nadamos sin poder contactar con nadie que haga que nos sintamos escuchados en tantas ocasiones. 

Tenía delante una persona que en ese momento se sentía orador elocuente más que oyente. Yo aprendía de lo que oía, vivía el momento, ajena a  las preocupaciones que relataba del pasado y a los triunfos proyectados en el futuro. Churchilll decía que se necesitaba  coraje para pararse y hablar. Pero mucho más para sentarse y escuchar. No voy a discutirlo yo pero a mi indudablemente me resultaba más cómodo sentarme y escuchar que ponerme a hablar. Reconocer los matices de la voz, el tono, los cambios emocionales me parecía un eercicio interesante, más allá del contenido que hubiera en las palabras que  también podían serlo.

Nos pasamos más tiempo escuchando que hablando, según dicen el 55% del total del tiempo que dedicamos a la comunicación, lo cuál, no quiere decir que estemos más dispuestos, tengamos más cualidades para escuchar que para hablar.
Estabamos sentados uno frente a otro como aparentes competidores, pero yo buscaba  más el ángulo recto y moví un poco la silla aproximándola en esta dirección.  Él movía la cabeza de un lado a otro buscando con la mirada cualquier cosa que  sucediera a su alrededor mientras hablaba, como si sintiera ansiedad o temor. Me entretenía fijarme en el lenguaje corporal, de los ojos en especial, liberado, no contaminado.Otras veces parecía más buscar seducir mediante una mirada mas contenida y prolongada acompañada de una leve sonrisa en los labios. Entre una pausa y otra de la charla se mordia ocasionalmente los labios. Mientras yo asentía con la cabeza, la inclinaba ligeramente hacia un lado o arqueaba los ojos. 

7.-   Tiempo que  pasaba, día que sentía más confusión en el asunto. No terminaba de comprender que tuvieran el mismo interés comprador y vendedor y, de ser así, que pintaba yo en medio si los  intereses eran  coincidentes. Las propuestas tentadoras tipo "mena te voy a hacer una oferta que no vas a poder rechazar" liaban más el asunto y hacían que pensara en Giges, aquel pastor que servía al rey de Lídia, que descendió por una honda grieta que  produjo un seísmo al interior de la  tierra y salió con un anillo que  quitó a un cadáver desnudo y que tenía el don de poder hacer invisible a quien lo portase con solo  girar el grabado del anillo, cosa que aprovechó para entrar en palacio, aliarse con la reina, matar  al rey y usurparle la corona. O lo que es lo mismo, el planteamiento de lo que significa la moralidad, la inmoralidad y la amoralidad en la sociedad en la que vivimos. Seguramente no sea el único momento de la historia donde la amoralidad está tan generalizada en la sociedad, donde hay tanta gente que duerme a pierna suelta independientemente de que sus actos sean  más macabros que los que se puedan ver en una pelicula de terror o de ciencia ficción. Yo creía  que  la moral era requisito indispensable  en cualquier persona para sentir una autoestima alta, pero no debía ser así. Quizás todos tenemos un precio como me decían a mi, todo el mundo es inmoral en beneficio propio si se presenta la ocasión. Las ventajas de la inmoralidad son tentadoras. Lo que no  entendía ni entiendo bien es como se llega a ser amoral de forma tan generalizada, es decir, no sientes que  algo lo haces mal, no sientes remordimientos, no te afecta la autoestima, más bien, al contrario, es su alimento. Yo pensaba que no hay acciones en el ser humano que sean neutras, pero más bien  parece que hay personas que lo ven como acciones correctas o incorrectas, acertada o desacertada, ventajosa o desventajosa, una forma de vivir práctica que no tiene en cuenta el bien y el mal la dimension moral se difumina frente al interés el provecho o el gusto "me conviene, no me conviene, me apetece no me apetece". Quizás la causa más profunda haya que buscarla en la importancia del querer tener por encima del querer ser. La vida convertida en materialismo puro y duro. Me preocupa no la inmoralidad sino la amoralidad del momento histórico que vivo.

6.-    Los Robos y Falsificaciones de obras de arte no son  invenciones de nuesto tiempo, se han producido desde el inicio de la humanidad. Existen dos modalidades de robo de arte. En primer lugar tenemos  el saqueo, que se produce en contextos bélicos, lo practicaron asiduamente los romanos en sus conquistas y en fechas más recientes, Napoleón, los ingleses con su colonización del mundo (el Museo Británico es el mejor ejemplo de expoliación de obras de arte de otras culturas y pueblos) y a mediados del siglo XX los Nazis se hicieron con una importante colección de arte, sobre todo en la francia ocupada. El segundo lugar el robo de piezas destacada por grandes ladrones de “guante blanco” que sacaban las obras de iglesias, museos o domicilios particulares. El ladrón más famoso de la segunda mitad del siglo XX fue Erik “el Belga”, expoliador de gran parte del patrimonio robado en las iglesias rurales de España. 

Este tipo de robos a veces puede estar muy unido al mundo de las falsificaciones.  Personajes muy conicidos del mundo del arte comenzaron falsificando obras de otras artistas o imitando obras antiguas. Un buen ejemplo de ellos es Miguel Ángel, que en su juventud, para sobrevivir realizó una escultura de eros, la envejeció y la enterró para que fuera descubierta, pasando por ser una auténtica pieza arqueológica. Las falsificaciones llegan a tener, incluso mayor valor que las obras de arte u objetos originales y se encunentran en los museos. El Museo Arqueológico Nacional de Madrid nos muestra en su sala egipcia cuatro momias antiguas, al someter a las momias a la prueba de los rayos X encontraron que dos de ellas eran falsas, ya que en realidad la pieza “momificada” eran dos tablas recubiertas de vendas. Lo curioso de estas piezas falsas ha hecho que sean expuestas en la sala, con las correspondientes radiografias que demuestran el fraude. En 1874 la National Gallery de Londres compró dos pinturas del florentino Sandro Botticelli (1445-1510). La primera se titulaba Venus y Marte y con el tiempo se ha convertido en una de las obras más apreciadas de la colección del museo. La segunda, Alegoría, era también magnífica y en el momento de ser adquirida resultó más cara que la primera. Las dos creaciones, se creyó entonces, habían sido concebidas como un conjunto y, puestos a comparar, críticos y expertos dudaban cuál era la más bella y representativa. La conmoción fue mayúscula cuando se descubrió que Alegoría, por la que se había pagado el precio más elevado, no era un botticelli. El cuadro era una simple copia, realizada por uno de los seguidores del gran maestro cuatrocentista.

5.-    Conocer el carácter de una persona, el temperamento o la personalidad de alguien, mediante el análisis de la escritura manuscrita es algo apasionante. En este caso no se trataba de averiguar datos de la personalidad de Klimt pero si de reconocer si la firma que había en el lienzo era de él o no. En realidad, este método de estudio de las personas es  utilizado en más de una  empresa, o eso dicen.  Burguer King, Coca Cola o Kodak utilizan desde hace años la ayuda de grafólogos para seleccionar a sus empleados. La escritura desvela la personalidad, el temperamento, el potencial intelectual, la sexualidad... Todo ello en un pedazo de papel. Claro que pensandolo friamente y  mirando la gente que hay detrás de un mostrador en algunas de estas empresas, no se que  tipo de persona buscan exactamente.

"Duda la mente, tiembla la mano".

No se exactamente qué tiene de realidad o de ficción esto, pero me atrae fijarme en cosas  básicas en cuanto al tipo de letra como:

Si la palabra está inclinada hacia la izquierda significa que eres una persona muy sociable, si lo hace hacia la derecha, significa que eres una persona solitaria y rebelde, no te gusta seguir las reglas y si está centrada significa que eres una persona logica, practica y muy  cautelosa con tus emociones. Si la letra es grande significa que eres una persona que sobresale entre otras y que necesitas constantemente ser el centro de atención, el peligro que corre es el del orgullo y la vanidad; si es pequeña significa que eres una persona centrada y te concentras facilmente, tambien que eres timido e introvertido; y como en el centro está la virtud, si es normal significa que eres uan persona equilibrada. Otras muchas cosas como las crestas, o partes superiores de  las letras (por ejemplo la "l") cuando son cerradas, es que estás estresado, redonditas significa que eres espontáneo y tranquilo. Si el conjunto de la ecritura  es creciente, es decir, desde al primera letra hasta la última los caracteres van haciéndose más grandes, tiene cierta tendencia a la ingenuidad y una gran capacidad de asombro. Suele tratarse de personas bondadosas y confiadas,  necesitarían ser algo más analíticas, más críticas. Cuando la escritura es decreciente se habla de personalidades donde predomina la observación y el análisis prudente. Suelen ser personas con gran capacidad de juicio crítico que pueden llegar -en casos extremos- a la desconfianza. Los que adornan con trazos imnecesarios las palabras son personas simpáticas, con don de gente y creativas.El estudio de la caligrafía y de la grafología es todo un mundo. Una firma puede ser imitada pero no igualada, al desconocer el imitador la parte del cerebro que tiene más desarrollada. 

Contabamos con la ventaja de que el cuadro pertenecía a alguien conocido del que existían ya firmas y textos previos con los que cotejar. Se puso en relación la firma dubitativa y la indubitativa. se midieron los trazos, se estudiaron las direcciones. tamaños, formas, coligamentos o velocidad y la conclusión a la que se llegó fue que "la firma dubitativa si podía haber sido realizada por Gustav Klimt". Otro resultado que  parecía  llevar a la conclusión de que  debía ser auténtico el cuadro. De no ser así, el falsificador, de calidad incuestionable, se había tomado todas las molestias y había realizado todos los estudios precisos para corresponder la letra "L", por ejemplo, en un solo trazo, empezando en la parte superior y terminando el trazo en la base. No es extraño si  tenemos en cuenta trabajos como  los realizados por el falsificador y restaurador John Drew quien consiguió infiltrarse en los archivos de los principales museos para introducir documentos falsos que autentificaran ciertas obras y logró que éstas salieran a subasta, o la actuación del propio Dalí quien firmó más de 350.000 hojas en blanco, las cuales aprovecharon otros lógicamente para copiar dibujos o hacer otros "a la manera de Dalí" y venderlos como originales. Lo cierto es que  sigue habiendo verdaderos artistas de la falsificación y esto no se puede olvidar. Se cree que en la actualidad el 40% de las obras que hay en el mercado son falsificaciones. No hablaremos de las que hay colgadas en los museos. Se dice que Corot pintó 10.000 cuadros, de los cuales hay 25.000 en Estados Unidos. 

Las falsificaciones son tan antiguas como el arte, pero no siempre se ha hecho una copia para enriquecerse, con fines económicos, en muchos otros casos el motivo era la popularidad y admiración hacia el artista que hacía que se reprodujera "a la manera de". En algunos casos se presenta a falsificadores como Hans van Meegeren, Elmyr de Hory y Tom Keating  como auntenticos héroes que son capaces de engañar a ricos acaudalados a la vez que a sesudos expertos en arte. Es extremadamente difícil hacer una falsificación convincente que pase las medidas de control y seguridad que a día de hoy son posibles de realizar, pero no imposible.

Signos de gozo para vendedores y compradores que veían un final feliz en el horizonte. 

 

Para quienes os interesen los temas de grafología aquí tenéis algunas webs donde bucear un poco en la cuestión.

http://www.grafoanalizando.com/

http://www.grafologia.com/

http://www.grafotecnia.com/

También puedes hacer un estudio de tu firma  aquí

La vida siempre puede ser mejor con pequeñas colaboraciones que todos  pongamos en ella.
Hagamos que "algún día" sea mañana mismo. Si los recuerdos son melancólicos tengamos esperanzas que son alegres para contrarrestar los momentos difíciles. Inventemos y tengamos ilusión para que algún día cambien las cosas. El sueño repara y la esperanza calma.  Nunca  damos tanto como  cuando damos esperanza no importa que sea a alguien conocido o desconocido.
"La esperanza es el único bien común a todos los hombres; los que lo han perdido todo, la poseen aún".

Tales De Mileto.